История Hip-Hop-культуры
История хип-хопа зарождалась в конце 60-х годов 20-го века и продолжает развиваться по сей день. То, что началось более 30 лет назад, вылилось в собственное движение и культуру. Хип-хоп культура возникла в Нью-Йорке среди негритянских и латинских гетто. Уличная культура существовала испокон веков во всех странах. Но в США, где есть гетто, она имела особую изолированность от общества. И вот она выплеснулась на улицы белых кварталов, а затем в массы - шоу-бизнес, дискотеки, кино и т.д.
Хип-хоп культура была международно признана с 70-х гг. Главными ее составляющими являются рэп (МС’ing - эмсиинг), брэйк-дэнс, граффити, уличные виды спортивных игр. А начиналось все так. Несмотря на то, что хип-хоп как образ жизни зародился давно в самых разных уголках Северной Америки, истинной родиной считается Южный Бронкс - черное гетто Нью-Йорка, один из беднейших кварталов. Но слова хип-хоп тогда еще не было, его придумал несколько лет спустя легендарный DJ (диджей) Африка Бамбаатаа, когда повзрослевшая культура уже нуждалась в общем названии.
В Южный Бронкс в 1967 году приехал из Ямайки Clive Campbell, получивший прозвище Кул Херк (Kool Herc). Он считается одним из основателей хип-хопа. Кул Херк стал тем, что позднее получило название «ди-джей». Он привнес с собой ямайский стиль, где главное было в ведущей роли ди-джея. На Ямайке DJ был «хозяином» музыкальной системы, вокруг которой складывалась молодежная жизнь. Он сам устраивал вечеринки, произносил в микрофон интересные речи-маевки. Вскоре его стали называть МС (“master of ceremony” - «эм-си» мастер церемонии) - он подбирал пластинки, проигрывал, анонсировал их. А когда ди-джей стал помимо анонсирования произносить под музыку ритмические тексты, это стало называться словом «рэп». Кул Херк не проигрывал поп-хиты, он предпочитал более жесткий черный фанк типа Джеймса Брауна, соул и ритм-энд-блюз (R’n’B). Влияние Кул Херка с подобными вечеринками распространялось и вскоре он, Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa и Grandmaster Caz начали играть на вечеринках по всему Бронксу, а также в Бруклине, Манхэттэне. Вскоре Кул Херк для удобства танцоров начинает повторять инструментальные перерывы - так называемые брэйки - между куплетами, во время которых на танцпол выходили танцоры и показывали свое мастерство. Кул Херк отметил энтузиазм танцоров к таким брэйкам и придумал термин “B-Boy” (би-бой), “Break boys” - для тех, кто движется в манере брэйка, а сам танец получил название breakdancing style (breaking). «Эм-си» стало синонимом рэпа уже тогда, когда рэпперами сделались не только ди-джеи, а и исполнители, умеющие двигаться в специальной хипхоповской манере. В конце 60-х брэйк существовал в виде двух самостоятельных танцев - нью-йоркского акробатического стиля, который у нас называется нижним брэйком, и лос-анжелесской пантомимы (верхний брэйк). Именно акробатический стиль брэйкинга первоначально крутили би-бои в брэйках. Популярен он стал после того, как в 1969 Джеймс Браун написал фанк-хит «The Good Foot» и исполнил на сцене элементы этого танца. Этот стиль положил начало танцевальным соревнованиям. В конце 70-х произошло расширение влияния и географии хип-хопа, сначала в Нью-Йорке. В районах Harlem, Bronx, Queens начали выступать диджеи и брэйкерские группы. Начались «сражения» между диджеями, соревнования танцоров. Различные уличные шайки танцоров стали известными как брэйкинг-команды, которые практиковались, выступали вместе, развивали свое мастерство.
Все это привело к положительным последствиям - снизилась агрессивность разборок между уличными группировками, отрицательная энергия реализовывалась в другой мирной форме. Хип-хоп культура представляла политически мотивированную альтернативу преступлениям, насилию. Хип-хоп-танцевальные сражения удерживали детей и молодежь Нью-Йорка от наркотиков, алкоголя и уличного насилия, так как занятие брэйк-дэнсом требовало здорового образа жизни. Хип-хоп оздоровил обстановку в криминальных кварталах Нью-Йорка. Музыка и танец по истине являются универсальным средством для преодоления барьеров между людьми! Бамбаатаа даже заявлял, что когда они создавали хип-хоп культуру, то создавали ее, думая и надеясь, что эта новая идея будет стоять рядом с понятиями мир, любовь, братство, дружба, единство, чтобы люди могли уйти от того негатива, который заполнял улицы. И несмотря на то, что негативные вещи все еще случались, хип-хоп культура, прогрессируя, играет большую роль в разрешении конфликтов, а также все больше укрепляет свое положительное влияние.
Бамбаатаа сформировал свою собственную брэйкерскую команду под названием Zulu Nation, которая в конечном итоге выросла в организацию и включала в себя рэпперов, ди-джеев, граффити-художников, танцоров. Zulu Nation наряду с другими командами способствовала популяризации брэйк-дэнсинга. Бамбаатаа включал в хип-хоп культуру 5 элементов: MC’инг(“Rapping” - рэп), Ди-джеинг, Граффити (Writing), Танцы (Breaking, Up-Rocking, Popping, Locking) и знания. Последний пункт по его ощущению означает, что существует недостаток знаний о хип-хоп культуре.
Лос-анжелесская пантомима, называемая «boogie», шла от негритянской традиции. Знаменитый «ticking» - ломаная пляска, в которой танцора заклинивает в разных положениях, - имеет африканские корни. «Waiving», в котором тело движется свободными волнами, возник, как ритмический припев к тикингу. В 1969 танцор Дон Кэмпбэл создал «кэмпбэллоккинг» как попсовый вариант народного танца. Вскоре его название трансформировалось в «locking». В 1973-77 Lockotron Jon и Shabadoo вводили “locking” и “popping” в Нью-Йорке. Это была первая реальная форма хип-хоп танца. В 1978 хип-хоп танец продолжает развиваться со стилями “popping” и “the robot”.
B-boy команды Breakmachine, Uprock, а также мотор-команды “Rock Steady Crew, Dynamic Rockers, Floormasters Incredible Breakers и Magnificent Force развивались, улучшали свое мастерство и выходили на сцену. В дискотечный брэйк лос-анжелесский буги пришел в виде стиля «робот».
Ветеран хип-хопа и ведущий би-бой с 70-х годов ХХ века - Richard Colon по прозвищу “Crazy Legs”. Его брэйк-дэнс группа “Rock Steady Crew” - одна из самых громких, мотор, вытянувший новую культуру хип-хопа из мрака начала 80-х. Брэйк и рэп стали синонимами хип-хопа, к которому относится также и граффити, как один из факторов, способствовавший популяризации хип-хопа.. На слэнге человек, занимающийся граффити, называется «tag». Поначалу уличные художники разрисовывали стены зданий, вагоны метро красками-спреем. Постепенно наиболее интересные картинки перекочевали в арт-галереи. Став модным, хип-хоп вышел за пределы США и охватил на какой-то период часть белой молодежи. Интерес белой молодежи к хип-хопу как в Америке, так и в других странах, начался скорее всего с брэйк-дэнса, где не нужно было знания языка, потому что язык движений универсален. А этот диковинный способ двигаться вызвал колоссальный интерес в середине 80-х, после выхода двух кинофильмов «Breakin» и «Beat Street». Белые молодые люди стали проникаться идеями брэйка и рэпа. В молодежной среде многих стран возникла яркая вспышка интереса к брэйк-дэнсу и рэпу. Во второй половине 80-х увлечение перешло в более спокойное русло.
В середине 80-х рэп выходит за рамки хип-хоп культуры в мэйнстрим американской музыкальной индустрии, белые музыканты начали воспринимать и охватывать новый стиль. Некоторые поп-группы стали в какой-то степени пропагандистами хип-хопа, увидев там нечто интересное и новое. Возникало творческое сотрудничество, что способствовало расширению международной известности хип-хопа. В это время история хип-хопа продолжает развиваться быстрым темпом. В 1986 рэп достиг вершины десятки чарта Billboard с композицией Beastie Boys “(You Gotta) Fight for Your Right (To Party!)” и композицией Run-DMC и Aerosmith “Walk This Way”. Run-DMC, известные соединением рок-музыки с их рэпом, стали одной из первых рэп-групп, регулярно показываемой по MTV.
В 90-х наблюдается вторая волна интереса к хип-хопу, особенно к рэпу. Брэйк оказался сложным для масс молодых людей и стал уделом небольшой группы молодежи. В 90-х рэп становится все более эклектическим, демонстрируя безграничную способность брать сэмплы из любой музыкальной формы. Некоторые рэп-исполнители заимствовали из джаза, используя сэмплы, также как и живую музыку. По мере того, как рэп становился все более возрастающей частью американского мэйнстрима в музыке в 90-х, политический рэп становился менее заметным, в то время как гангстерский рэп, представленный Geto Boys, Snoop Doggy Dogg, и Tupac Shakur, становился более популярным. С середины 1980-х рэп музыка сильно повлияла на черную и белую культуры в Северной Америке. Многое из слэнга хип-хоп культуры, становилось обычной частью словаря существенной части молодых людей различного этнического происхождения. Сторонники гангстерского рэпа аргументировали, что не имеет значения, кто слушает музыку, рэперы оправданы тем, что они точно отображают жизнь в бедных районах Америки.
Хип-хоп танец может быть разделен на два основных типа: old school (старая школа хип-хопа) и new style (новая школа хип-хопа). Старая школа (old school) включает в себя popping, locking, breakdance. Popping в свою очередь делится на boоgaloo, electric boоgaloo, tetris, waiving, robot, egypcian, pop corn. Стиль “locking” cтал сценическим стандартом для многих черных певцов и такие звезды MTV как Janet Jackson и ее танцоры, а также многие другие движутся именно в этом стиле.
В 90-х произошло появление новой формы хип-хопа, который соединяет движения из стилей старой школы: поппинг, локкинг, брэйкдэнсинг (но больше концентрируется на работе ног, в противовес акробатическому стилю), а также из многих других стилей. Позже люди начали определять этот стиль как новую школу (new school). Постепенно, проникая в поп-культуру, впитывая в себя все новые элементы и стили, трансформируясь, хип-хоп становится ведущим танцевальным направлением и выделяется в отдельное направление - hip-hop new style. Сейчас в видеоклипах знаменитых звезд хип-хоп и R’n’B музыки, мы видим танцоров, двигающихся в стиле new style hip-hop. Хип-хоп как танцевальное направление является настолько популярным, что он проник в нашу жизнь повсеместно - в шоу, клипы, школы и центры танцев, фитнес-клубы, кино, театр и т.д.
Спустя более, чем 30 лет с момента вспышки и развития хип-хопа нет никаких признаков спада этой культуры. И смотря вперед, можно с точностью сказать, что будущее этой культуры светлое, так как много страниц в истории хип-хопа еще не написаны.
Хип-хоп культура была международно признана с 70-х гг. Главными ее составляющими являются рэп (МС’ing - эмсиинг), брэйк-дэнс, граффити, уличные виды спортивных игр. А начиналось все так. Несмотря на то, что хип-хоп как образ жизни зародился давно в самых разных уголках Северной Америки, истинной родиной считается Южный Бронкс - черное гетто Нью-Йорка, один из беднейших кварталов. Но слова хип-хоп тогда еще не было, его придумал несколько лет спустя легендарный DJ (диджей) Африка Бамбаатаа, когда повзрослевшая культура уже нуждалась в общем названии.
В Южный Бронкс в 1967 году приехал из Ямайки Clive Campbell, получивший прозвище Кул Херк (Kool Herc). Он считается одним из основателей хип-хопа. Кул Херк стал тем, что позднее получило название «ди-джей». Он привнес с собой ямайский стиль, где главное было в ведущей роли ди-джея. На Ямайке DJ был «хозяином» музыкальной системы, вокруг которой складывалась молодежная жизнь. Он сам устраивал вечеринки, произносил в микрофон интересные речи-маевки. Вскоре его стали называть МС (“master of ceremony” - «эм-си» мастер церемонии) - он подбирал пластинки, проигрывал, анонсировал их. А когда ди-джей стал помимо анонсирования произносить под музыку ритмические тексты, это стало называться словом «рэп». Кул Херк не проигрывал поп-хиты, он предпочитал более жесткий черный фанк типа Джеймса Брауна, соул и ритм-энд-блюз (R’n’B). Влияние Кул Херка с подобными вечеринками распространялось и вскоре он, Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa и Grandmaster Caz начали играть на вечеринках по всему Бронксу, а также в Бруклине, Манхэттэне. Вскоре Кул Херк для удобства танцоров начинает повторять инструментальные перерывы - так называемые брэйки - между куплетами, во время которых на танцпол выходили танцоры и показывали свое мастерство. Кул Херк отметил энтузиазм танцоров к таким брэйкам и придумал термин “B-Boy” (би-бой), “Break boys” - для тех, кто движется в манере брэйка, а сам танец получил название breakdancing style (breaking). «Эм-си» стало синонимом рэпа уже тогда, когда рэпперами сделались не только ди-джеи, а и исполнители, умеющие двигаться в специальной хипхоповской манере. В конце 60-х брэйк существовал в виде двух самостоятельных танцев - нью-йоркского акробатического стиля, который у нас называется нижним брэйком, и лос-анжелесской пантомимы (верхний брэйк). Именно акробатический стиль брэйкинга первоначально крутили би-бои в брэйках. Популярен он стал после того, как в 1969 Джеймс Браун написал фанк-хит «The Good Foot» и исполнил на сцене элементы этого танца. Этот стиль положил начало танцевальным соревнованиям. В конце 70-х произошло расширение влияния и географии хип-хопа, сначала в Нью-Йорке. В районах Harlem, Bronx, Queens начали выступать диджеи и брэйкерские группы. Начались «сражения» между диджеями, соревнования танцоров. Различные уличные шайки танцоров стали известными как брэйкинг-команды, которые практиковались, выступали вместе, развивали свое мастерство.
Все это привело к положительным последствиям - снизилась агрессивность разборок между уличными группировками, отрицательная энергия реализовывалась в другой мирной форме. Хип-хоп культура представляла политически мотивированную альтернативу преступлениям, насилию. Хип-хоп-танцевальные сражения удерживали детей и молодежь Нью-Йорка от наркотиков, алкоголя и уличного насилия, так как занятие брэйк-дэнсом требовало здорового образа жизни. Хип-хоп оздоровил обстановку в криминальных кварталах Нью-Йорка. Музыка и танец по истине являются универсальным средством для преодоления барьеров между людьми! Бамбаатаа даже заявлял, что когда они создавали хип-хоп культуру, то создавали ее, думая и надеясь, что эта новая идея будет стоять рядом с понятиями мир, любовь, братство, дружба, единство, чтобы люди могли уйти от того негатива, который заполнял улицы. И несмотря на то, что негативные вещи все еще случались, хип-хоп культура, прогрессируя, играет большую роль в разрешении конфликтов, а также все больше укрепляет свое положительное влияние.
Бамбаатаа сформировал свою собственную брэйкерскую команду под названием Zulu Nation, которая в конечном итоге выросла в организацию и включала в себя рэпперов, ди-джеев, граффити-художников, танцоров. Zulu Nation наряду с другими командами способствовала популяризации брэйк-дэнсинга. Бамбаатаа включал в хип-хоп культуру 5 элементов: MC’инг(“Rapping” - рэп), Ди-джеинг, Граффити (Writing), Танцы (Breaking, Up-Rocking, Popping, Locking) и знания. Последний пункт по его ощущению означает, что существует недостаток знаний о хип-хоп культуре.
Лос-анжелесская пантомима, называемая «boogie», шла от негритянской традиции. Знаменитый «ticking» - ломаная пляска, в которой танцора заклинивает в разных положениях, - имеет африканские корни. «Waiving», в котором тело движется свободными волнами, возник, как ритмический припев к тикингу. В 1969 танцор Дон Кэмпбэл создал «кэмпбэллоккинг» как попсовый вариант народного танца. Вскоре его название трансформировалось в «locking». В 1973-77 Lockotron Jon и Shabadoo вводили “locking” и “popping” в Нью-Йорке. Это была первая реальная форма хип-хоп танца. В 1978 хип-хоп танец продолжает развиваться со стилями “popping” и “the robot”.
B-boy команды Breakmachine, Uprock, а также мотор-команды “Rock Steady Crew, Dynamic Rockers, Floormasters Incredible Breakers и Magnificent Force развивались, улучшали свое мастерство и выходили на сцену. В дискотечный брэйк лос-анжелесский буги пришел в виде стиля «робот».
Ветеран хип-хопа и ведущий би-бой с 70-х годов ХХ века - Richard Colon по прозвищу “Crazy Legs”. Его брэйк-дэнс группа “Rock Steady Crew” - одна из самых громких, мотор, вытянувший новую культуру хип-хопа из мрака начала 80-х. Брэйк и рэп стали синонимами хип-хопа, к которому относится также и граффити, как один из факторов, способствовавший популяризации хип-хопа.. На слэнге человек, занимающийся граффити, называется «tag». Поначалу уличные художники разрисовывали стены зданий, вагоны метро красками-спреем. Постепенно наиболее интересные картинки перекочевали в арт-галереи. Став модным, хип-хоп вышел за пределы США и охватил на какой-то период часть белой молодежи. Интерес белой молодежи к хип-хопу как в Америке, так и в других странах, начался скорее всего с брэйк-дэнса, где не нужно было знания языка, потому что язык движений универсален. А этот диковинный способ двигаться вызвал колоссальный интерес в середине 80-х, после выхода двух кинофильмов «Breakin» и «Beat Street». Белые молодые люди стали проникаться идеями брэйка и рэпа. В молодежной среде многих стран возникла яркая вспышка интереса к брэйк-дэнсу и рэпу. Во второй половине 80-х увлечение перешло в более спокойное русло.
В середине 80-х рэп выходит за рамки хип-хоп культуры в мэйнстрим американской музыкальной индустрии, белые музыканты начали воспринимать и охватывать новый стиль. Некоторые поп-группы стали в какой-то степени пропагандистами хип-хопа, увидев там нечто интересное и новое. Возникало творческое сотрудничество, что способствовало расширению международной известности хип-хопа. В это время история хип-хопа продолжает развиваться быстрым темпом. В 1986 рэп достиг вершины десятки чарта Billboard с композицией Beastie Boys “(You Gotta) Fight for Your Right (To Party!)” и композицией Run-DMC и Aerosmith “Walk This Way”. Run-DMC, известные соединением рок-музыки с их рэпом, стали одной из первых рэп-групп, регулярно показываемой по MTV.
В 90-х наблюдается вторая волна интереса к хип-хопу, особенно к рэпу. Брэйк оказался сложным для масс молодых людей и стал уделом небольшой группы молодежи. В 90-х рэп становится все более эклектическим, демонстрируя безграничную способность брать сэмплы из любой музыкальной формы. Некоторые рэп-исполнители заимствовали из джаза, используя сэмплы, также как и живую музыку. По мере того, как рэп становился все более возрастающей частью американского мэйнстрима в музыке в 90-х, политический рэп становился менее заметным, в то время как гангстерский рэп, представленный Geto Boys, Snoop Doggy Dogg, и Tupac Shakur, становился более популярным. С середины 1980-х рэп музыка сильно повлияла на черную и белую культуры в Северной Америке. Многое из слэнга хип-хоп культуры, становилось обычной частью словаря существенной части молодых людей различного этнического происхождения. Сторонники гангстерского рэпа аргументировали, что не имеет значения, кто слушает музыку, рэперы оправданы тем, что они точно отображают жизнь в бедных районах Америки.
Хип-хоп танец может быть разделен на два основных типа: old school (старая школа хип-хопа) и new style (новая школа хип-хопа). Старая школа (old school) включает в себя popping, locking, breakdance. Popping в свою очередь делится на boоgaloo, electric boоgaloo, tetris, waiving, robot, egypcian, pop corn. Стиль “locking” cтал сценическим стандартом для многих черных певцов и такие звезды MTV как Janet Jackson и ее танцоры, а также многие другие движутся именно в этом стиле.
В 90-х произошло появление новой формы хип-хопа, который соединяет движения из стилей старой школы: поппинг, локкинг, брэйкдэнсинг (но больше концентрируется на работе ног, в противовес акробатическому стилю), а также из многих других стилей. Позже люди начали определять этот стиль как новую школу (new school). Постепенно, проникая в поп-культуру, впитывая в себя все новые элементы и стили, трансформируясь, хип-хоп становится ведущим танцевальным направлением и выделяется в отдельное направление - hip-hop new style. Сейчас в видеоклипах знаменитых звезд хип-хоп и R’n’B музыки, мы видим танцоров, двигающихся в стиле new style hip-hop. Хип-хоп как танцевальное направление является настолько популярным, что он проник в нашу жизнь повсеместно - в шоу, клипы, школы и центры танцев, фитнес-клубы, кино, театр и т.д.
Спустя более, чем 30 лет с момента вспышки и развития хип-хопа нет никаких признаков спада этой культуры. И смотря вперед, можно с точностью сказать, что будущее этой культуры светлое, так как много страниц в истории хип-хопа еще не написаны.
| Комментариев: 0 | Перейти в пост>
История House-культуры.
Существует две стороны развития House-культуры: чикагская и нью-йоркская. House Music появился в Чикаго (штат Иллинойс), а не в Нью-Йорке, как многие полагают. Именно в Чикаго зародилась такая культура, как Jacking. Если послушать многие первые чикагские треки, то можно обнаружить в них множество звуков Jacking’а: «Timeto Jack», «Jack your Body», «This is Jack house», «Jack, Jack, Jack your body», «Jacking all nigh long»… Jacking был стилем одежды и целой сценой. В 70-х и 80-х годах в Чикаго он получил громадный размах. Jacking можно назвать своеобразным чикагским Social Dance. Само название «House» пошло от названия старого чикагского клуба «Warehouse», в котором обычно играл нью-йоркский Dj Frankie Knukles, игравший Disco Music. Утверждали, что ди-джеи «Warehouse» одними из первых соединили Disco Music с работой драм-машины. Клуб «Warehouse» был открыт в 1977 году. В прошлом склад, ныне – это легенда House-клубов. Музыка в этом клубе была настолько оригинальна, что посетители называли ее Warеhouse-music, а позже уже и House Music (после 1982 года клуб переименовали в «Music Box club»). Позднее люди, увлекавшиеся данным направлением в музыке, в музыкальных магазинах, прося у продавцов House Music, имели ввиду именно ту музыку, которую играли в «Warehouse». Если говорить уже о House как о стиле танца в том виде, в котором мы его знаем сейчас, то он зародился именно в Нью-Йорке. Все House-танцоры, такие так Caleaf Sellers, Marjory Smarth, Ejoe Wilson и др., начинали с Hip-hop Dance, который они танцевали на улицах, но т.к. на улицах было опасно, они старались собираться в Hip-hop клубах. Но со временем и Hip-hop клубы становились очень опасными и по этой причине стали закрываться. House-танцоры переходили танцевать в другие клубы, где играли разную музыку (RnB, соул, фанк, Disco Music), но, по большому счету, чаще всего звучала в этих клубах именно House Music, поскольку в это время House Music набирала обороты в своей популярности. Люди, приходившие просто отдохнуть в клубы, смотрели на танцоров, удивлялись, насколько хорошо они двигаются, спрашивали у танцующих: «Это Hip-hop?». Им отвечали, что это был House Dance. Так появился термин House Dance. Сначала Caleaf Sellers, Marjory Smarth, Ejoe Wilson и др. танцевали, просто получая удовольствие, а позже стали создавать словарь танца, брав движения и названия из разных танцевальных культур, различных стилей музыки. Они также брали движения от лофтеров, из Hip-hop Dance, брали движения из африканских танцев, из сальсы и румбы, и поэтому они стали называть все это House Dance, потому что это как дом, дом всего. Термин House Dance появился также потому, что Caleaf Sellers, Marjory Smarth, Ejoe Wilson и др. начали танцевать профессионально, и обычные люди, и танцоры просто хотели знать, что это за стиль.
ПРОДОЛЖЕНИЯ : http://vk.com/note44542291_11100379#/note4289961_11005640
там с фотками и видео и музыкой!)
ПРОДОЛЖЕНИЯ : http://vk.com/note44542291_11100379#/note4289961_11005640
там с фотками и видео и музыкой!)
| Комментариев: 0 | Перейти в пост>
Импровизация.
Сначала зададим себе вопрос: насколько это необходимо - уметь импровизировать. Может, без этого можно обойтись?
Импровизация - это танец души, а не выученная последовательность движений, это выражение Вашего "Я", всепоглощающее чувство свободы, причастность к искусству…Вас захватывает музыка, и Вы творите. Ради этого стоит постараться. Кроме вышеперечисленного есть и практические моменты.
Зачем учиться импровизировать в танце?Во-первых, на любой вечеринке, в клубе, в любой иной ситуации Вы будете чувствовать себя намного свободнее, умея импровизировать. Ведь не можете же Вы бесконечно повторять все выученные связки. Варьируя и комбинируя движения под воздействием разной музыки, Вы лучше передадите различный характер музыки, а так и Ваш танец станет разнообразным. Во-вторых, импровизируя на основе движений, которые Вы изучаете на уроках танца, Вы тем самым закрепляете материал. Если не делать этого, движения и навыки вообще быстро исчезнут, как только Вы прервете занятия. Тогда как, закрепленные исполнением с помощью импровизации, они останутся с Вами на всю жизнь. И, в-третьих, импровизация под любимую музыку - прекрасный способ снятия стресса. Даже самые гнетущие Вас эмоции можно выплеснуть, танцуя, и облегчить душу (лучше без свидетелей).
Как научиться импровизировать в танце?
Трудно начать, если Вы никогда не импровизировали. Но мы все же начнем. Предлагаю с музыки. Музыка должна не просто нравиться, а заводить. Причем именно Вас, а не кого-либо еще. Найдите то, подо что непременно хочется станцевать. Импровизация без погружения в музыку бессмысленна и безлика.
Поначалу занимайтесь импровизацией без свидетелей - так будет легче раскрепоститься. Желательно делать это перед зеркалом. Не для оценки правильности движений, об этом мы вообще не будем говорить в этой статье. Глядите на свой танец, стараясь понравиться себе самой. Если Ваш танец не нравиться Вам, то трудно будет убедить окружающих, что на этот танец стоит смотреть. Не позволяйте критиковать себя в момент импровизации. Конечно, импровизировать интересно и под незнакомую музыку, а самокритика очень полезна, но мы говорим сейчас о первом этапе развития навыков импровизации. Трудном этапе.
Наконец о технической, то есть хореографической, стороне дела. Трудно будет сразу импровизировать всем телом. Есть смысл сесть на пол, тем самым как бы "выключить" ноги из движения. Соединяйте произвольно движения рук, головы, затем добавляйте к этому периодические и к тому же разные движения корпусом.
Теперь наложимм произвольные движения одной части тела на однообразные движения других. Возьмите движения, которые прекрасно знаете и можете делать автоматически, то есть, совсем не задумываясь. Например, простые шаги. Продвигаясь вперед, постарайтесь чередовать движения рук в произвольном порядке. Не продумывайте этот порядок заранее. Пускай движения приходят в процессе танца. Поменяйте направление перемещения, меняйте его несколько раз, "разрывая" свой танец поворотами или вращениями для изменения направления. Попробуйте усложнять подобное исполнение, меняя шаг, подключая голову, прибавляя наклоны.
Сделайте наоборот: произвольно меняйте движения ног, оставляя однообразным движения рук. Пофантазируйте. Это будет интересно: делать одной частью тела что-то одно, а другой - произвольные движения. Следующим этапом может стать накладывание произвольных движений на определенную несложную комбинацию движений (лучше, если эта комбинация медленная). Так, рано или поздно, Вы почувствуете, что все эти игры Вам уже не к чему и станете импровизировать.
На всех этих этапах периодически включайте музыку громко и делайте все тоже с максимальной отдачей. Вслушивайтесь в музыку, стараясь уловить: что же она Вам скажет. Поначалу будет трудно совместить все это. Придется танцевать то умом, лихорадочно соединяя движения, то душой сообразно музыке. Не теряйте ни того, ни другого. Со временем эти способности сольются воедино. Вы не пожалеете того, чего добивались, так как получите от танца совершенно новое наслаждение, которое будет подвигать Вас танцевать для души всю жизнь.
Многих останавливает распространенное заблуждение, что импровизировать можно и нужно только по достижении некоего определенного уровня владения танцем. Знать технику, конечно, надо. А также ее совершенствовать. Но в то же время не стоит ждать, когда Ваша техника дотянется до какого-то уровня, чтобы начать импровизировать. Начните уже сейчас. А то нужного момента не дождетесь никогда, так как нет предела совершенству. Творите уже сейчас, ловите появившуюся искру фантазии. Другим распространенным мнением является то, что если, дескать, одним дано, другим нет. Отчасти это верно. Но только отчасти. Просто кому-то легче, а кому-то труднее развивать этот навык. А еще нужна практика. Ходите на вечеринки, где Вы можете танцевать то, что умеете и старайтесь двигаться произвольно. Этот навык действительно нужно тренировать.
Следуя каким-либо рекомендациям в области импровизации, прислушивайтесь, прежде всего, к своему внутреннему голосу. Так как импровизация - это Ваш, лично Ваш путь к танцу.
Импровизация - это танец души, а не выученная последовательность движений, это выражение Вашего "Я", всепоглощающее чувство свободы, причастность к искусству…Вас захватывает музыка, и Вы творите. Ради этого стоит постараться. Кроме вышеперечисленного есть и практические моменты.
Зачем учиться импровизировать в танце?Во-первых, на любой вечеринке, в клубе, в любой иной ситуации Вы будете чувствовать себя намного свободнее, умея импровизировать. Ведь не можете же Вы бесконечно повторять все выученные связки. Варьируя и комбинируя движения под воздействием разной музыки, Вы лучше передадите различный характер музыки, а так и Ваш танец станет разнообразным. Во-вторых, импровизируя на основе движений, которые Вы изучаете на уроках танца, Вы тем самым закрепляете материал. Если не делать этого, движения и навыки вообще быстро исчезнут, как только Вы прервете занятия. Тогда как, закрепленные исполнением с помощью импровизации, они останутся с Вами на всю жизнь. И, в-третьих, импровизация под любимую музыку - прекрасный способ снятия стресса. Даже самые гнетущие Вас эмоции можно выплеснуть, танцуя, и облегчить душу (лучше без свидетелей).
Как научиться импровизировать в танце?
Трудно начать, если Вы никогда не импровизировали. Но мы все же начнем. Предлагаю с музыки. Музыка должна не просто нравиться, а заводить. Причем именно Вас, а не кого-либо еще. Найдите то, подо что непременно хочется станцевать. Импровизация без погружения в музыку бессмысленна и безлика.
Поначалу занимайтесь импровизацией без свидетелей - так будет легче раскрепоститься. Желательно делать это перед зеркалом. Не для оценки правильности движений, об этом мы вообще не будем говорить в этой статье. Глядите на свой танец, стараясь понравиться себе самой. Если Ваш танец не нравиться Вам, то трудно будет убедить окружающих, что на этот танец стоит смотреть. Не позволяйте критиковать себя в момент импровизации. Конечно, импровизировать интересно и под незнакомую музыку, а самокритика очень полезна, но мы говорим сейчас о первом этапе развития навыков импровизации. Трудном этапе.
Наконец о технической, то есть хореографической, стороне дела. Трудно будет сразу импровизировать всем телом. Есть смысл сесть на пол, тем самым как бы "выключить" ноги из движения. Соединяйте произвольно движения рук, головы, затем добавляйте к этому периодические и к тому же разные движения корпусом.
Теперь наложимм произвольные движения одной части тела на однообразные движения других. Возьмите движения, которые прекрасно знаете и можете делать автоматически, то есть, совсем не задумываясь. Например, простые шаги. Продвигаясь вперед, постарайтесь чередовать движения рук в произвольном порядке. Не продумывайте этот порядок заранее. Пускай движения приходят в процессе танца. Поменяйте направление перемещения, меняйте его несколько раз, "разрывая" свой танец поворотами или вращениями для изменения направления. Попробуйте усложнять подобное исполнение, меняя шаг, подключая голову, прибавляя наклоны.
Сделайте наоборот: произвольно меняйте движения ног, оставляя однообразным движения рук. Пофантазируйте. Это будет интересно: делать одной частью тела что-то одно, а другой - произвольные движения. Следующим этапом может стать накладывание произвольных движений на определенную несложную комбинацию движений (лучше, если эта комбинация медленная). Так, рано или поздно, Вы почувствуете, что все эти игры Вам уже не к чему и станете импровизировать.
На всех этих этапах периодически включайте музыку громко и делайте все тоже с максимальной отдачей. Вслушивайтесь в музыку, стараясь уловить: что же она Вам скажет. Поначалу будет трудно совместить все это. Придется танцевать то умом, лихорадочно соединяя движения, то душой сообразно музыке. Не теряйте ни того, ни другого. Со временем эти способности сольются воедино. Вы не пожалеете того, чего добивались, так как получите от танца совершенно новое наслаждение, которое будет подвигать Вас танцевать для души всю жизнь.
Многих останавливает распространенное заблуждение, что импровизировать можно и нужно только по достижении некоего определенного уровня владения танцем. Знать технику, конечно, надо. А также ее совершенствовать. Но в то же время не стоит ждать, когда Ваша техника дотянется до какого-то уровня, чтобы начать импровизировать. Начните уже сейчас. А то нужного момента не дождетесь никогда, так как нет предела совершенству. Творите уже сейчас, ловите появившуюся искру фантазии. Другим распространенным мнением является то, что если, дескать, одним дано, другим нет. Отчасти это верно. Но только отчасти. Просто кому-то легче, а кому-то труднее развивать этот навык. А еще нужна практика. Ходите на вечеринки, где Вы можете танцевать то, что умеете и старайтесь двигаться произвольно. Этот навык действительно нужно тренировать.
Следуя каким-либо рекомендациям в области импровизации, прислушивайтесь, прежде всего, к своему внутреннему голосу. Так как импровизация - это Ваш, лично Ваш путь к танцу.
| Комментариев: 0 | Перейти в пост>
